Alain YVER

Alain YVER

KEVIN SAINT GREY

KEVIN SAINT GREY








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http://www.pixfan.com/architecture-par-kevin-saint-grey/

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Architecture by Kevin Saint Grey

Focus sur le talent de Kevin Saint Grey, un photographe basé à Los Angeles. Cet artiste nous propose de découvrir une série de clichés absolument magnifiques en noir et blanc appelée sobrement « Architecture ». L’ensemble de son travail est à découvrir sur son portfolio.

http://www.fubiz.net/2012/12/28/architecture-by-kevin-saint-grey/






Architecture by Kevin Saint Grey
21 décembre 2012 | Photography, par Mr K (boss)

Réalisation du photographe américain Kevin Saint Grey basé à Los Angeles, petit focus sur cette impressionnante série de photos axées autour de l’architecture et des buildings en particulier. Shootée en noir et blanc dans un style et dans des angles qui confèrent une pureté incroyable aux lignes géométriques et minimalistes des constructions, découvrez la série complète en images dans la suite !

http://www.trendsnow.net/2012/12/architecture-by-kevin-saint-grey.html






Kevin Saint Grey confirme que l’architecture est un art
par Déborah Larue le mar 8, 2013

Comment qualifier le travail de Kevin Saint Grey, basé à Los Angeles ? Le premier mot qui nous vient à l’esprit est « époustouflant ». En effet, avec sa série Architecture, le photographe nous offre des clichés magnifiques , qui mettent en valeur des projets architecturaux à la base plutôt simples, mais qui prennent une toute autre dimension à travers son objectif.
http://www.spanky-few.com/2013/03/08/kevin-saint-grey-confirme-que-larchitecture-est-un-art/






Gratte-ciel impressionnants par le photographe
 Kevin Saint Grey

Le photographe américain Kevin Saint Grey qui habite et travaille à Los Angeles, a créé une série impressionnante de photos d’architecture et de gratte-ciel. Ce sont des photos en noir et blanc qui montrent la pureté incroyable des lignes géométriques minimalistes de bâtiments.

http://www.sogossip.com/2010/12/17/gratte-ciel-impressionnants-par-le-photographe-kevin-saint-grey/






ENTRETIEN

Nathan: Quand j'ai commencer à penser à ces entretiens, je me sens obligé de commencer par une introspection question, mais, au contraire, j'ai toujours l'impression de commencer par le plus évident: quand avez-vous commencé à vous intéresser à la photographie?

Kevin: J'ai d'abord pris un appareil photo d'environ sept à huit ans auparavant. Honnêtement, il s'agissait davantage d'un coup de tête qu'autre chose. Il n'y avait pas quelque chose qui m'a influencé pour l'achat d'un appareil photo et il n'y avait pas vraiment de photographes que j'admirais et je voulais imiter. Il y avait des images que j'avais vu tout au long de mes années qui m'a vraiment frappé (Nick Knight "Fumer Susie" et l'image de vautour Kevin Carter a deux qui collent dans mon esprit), mais je n'ai pas vraiment envisager d'essayer la photographie moi-même.

J'ai grandi dans une famille très artistique. Ma mère a suivi une formation de pianiste classique, et j'ai commencé à étudier le violon classique quand j'avais cinq ans. J'ai étudié la musique toute ma vie et à l'université (études de composition et théorie musicale), mais après le collège tout cela a commencé à s'affaiblir un peu pour diverses raisons. J'ai commencé à chercher un autre exutoire créatif. J'ai toujours été intéressé par les arts visuels, donc j'ai acheté une caméra et a commencé tout de tir. J'ai étudié différents photographes et des images, et, après cela, je suis devenu accro.

Nathan: Je vois une mélodie déterminée ou harmonie, si vous le souhaitez, dans la majeure partie de votre travail. Les compositions que vous choisissez sont exacts, mais ils ont aussi circuler comme si une partie d'une étude improvisée de l'angle et de la forme (si cela n'a aucun sens). Pensez-vous que vos études musicales ont influencé votre travail?

Kevin: C'est une question que je me suis posé de nombreuses fois ainsi. Je pense que mes expériences individuelles ont façonné ma façon de voir le monde, alors mon parcours musical a probablement joué un rôle dans cela. Quand je composais et à étudier la musique et de la théorie, j'ai été attiré par les œuvres minimalistes de John Cage, La Monte Young et Philip Glass, et le minimalisme joue un rôle dans la façon dont je compose mes images. Cependant, ce n'est pas une décision consciente je fais quand je suis sur la photographie, mais plus de la façon dont mon esprit cadres une scène et ce que je trouve intéressant.

Nathan: Alors, permettez-moi de saisir cette occasion pour poser quelques questions au sujet de votre processus global. Beaucoup d'entre nous parlons de vision ... et je pense que c'est ce que je demande vraiment ici. Comme je l'ai déjà dit - dans votre travail, je vois une incontestable unité qui crée, faute d'une meilleure description, une sorte de tapisserie de lignes et d'angles, qu'ils soient architectes ou d'une partie de la nature, une tapisserie qui reflète très certainement un minimaliste approche. J'hésite à dire que votre travail réduit la scène jusque dans ses plus nus lignes (car il se sent trop commode), mais toutes vos images reflètent certainement une attention aiguë à la symétrie et la tonalité. J'aimerais connaître vos pensées, le raisonnement, et l'approche de la symétrie et le minimalisme.

Kevin: Symmetry a une qualité biologique innée à l'(corps et les visages sont bilatéralement symétrique). Il ya eu plusieurs études réalisées en ce qui concerne la symétrie du visage étant lié à l'attractivité de l'homme. Dans la même veine, je vois des compositions de symétrie comme ayant une beauté naturelle à eux - ils sont simples à composer (pour la plupart) et avoir un équilibre inhérent et ajouter une énergie plus calme à une image. Compositions asymétriques ont tendance à avoir plus de tension et sont plus dynamiques, mais ne se présentent pas aussi ouvertement à moi comme la symétrie fait - je dois "le découvrir», et même alors, je dois trouver un moyen de le faire fonctionner dans le contexte d'une composition. Par exemple, "pyramide" est l'un de mes images préférées en raison de la maladresse asymétrique de la composition. J'ai regardé le bâtiment pendant une longue période à essayer de comprendre comment le composer, a pris beaucoup d'essai et d'erreur des images jusqu'à ce que je pouvais comprendre comment obtenir les angles de travailler ensemble. Cela dit, je trouve que les images les plus intéressantes sont celles qui mélangent un peu des deux. Par exemple, "temple II" a de très fortes lignes symétriques qui est rompu par les oiseaux planeurs. Pour moi, cet intérêt a ajouté donne à l'image une dimension supplémentaire.

Alors que la symétrie est une façon de voir les choses, je pense que le minimalisme est de plus d'une façon de penser. Comme je l'ai déjà expliqué, mon intérêt pour le minimalisme remonte, des décennies avant même ramassé une caméra, de la musique minimaliste (John Cage, La Monte Young, Philip Glass, en particulier). Quand je suis sur la photographie, je ne suis pas consciemment à la recherche de compositions minimalistes - ces compositions sont ceux que j'ai tendance à "voir" dans mon esprit, et ceux qui m'intéressent. J'ai beaucoup de difficulté à photographier des scènes animées ou encombré. Il ya quelques années, j'ai fait un voyage à Las Vegas, dans le Nevada à la photographie et découvert des compositions de trouver qui ont travaillé pour moi extrêmement difficile. Tout semblait trop chaotique pour moi, malgré la multitude de styles architecturaux intéressants.

D'une certaine façon, je ne réduire une scène au strict forme (lignes) parce que je suis à la recherche de la géométrie et de l'interaction avec la lumière quand je compose une image. Le bâtiment actuel dans mes images d'architecture n'est pas vraiment important - je ne suis pas intéressé par la fonction de l'édifice, l'architecte, quand il a été construit, ou son histoire (ce sont des choses que je ne la recherche par la suite si je trouve une image intéressante) . Je cherche des détails très précis, comment ils se connectent et les relations entre eux. Je prends rarement une image d'un bâtiment entier pour qu'il soit reconnaissable au simple passant et la plupart du temps, ils sont très banals bâtiments construits par des architectes de renommée.

Cependant, l'aspect le plus important d'une image pour moi, c'est l'équilibre. Les éléments d'une composition pour compléter les uns les autres pour créer une image globale - le sujet a besoin de travailler dans le contexte de son environnement, l'espace négatif (ou leur absence) doit avoir un but, les nuages ou le soleil ont besoin pour compléter la géométrie de l'objet, etc Chaque aspect d'une image doit être en harmonie pour une image à travailler pour moi. Par exemple, dans «pyramide», la composition ne pourrait pas fonctionner sans que la direction des nuages, la lumière frappant la construction de cette direction, ou les nuages pour remplir l'espace négatif. Tous ces différents éléments doivent se combiner pour que l'image se rejoignent.

Toutes ces composantes sont une grande partie de ce que j'appelle la «vision». L'autre partie de la vision, pour moi, c'est de voir l'image finale dans votre tête avant de cliquer sur l'obturateur et l'ensemble du processus du début à la fin, tout créer cette image. Le fichier RAW (ou négatifs) est un ingrédient majeur dans le produit final, mais il est encore juste un ingrédient (comme les ajustements des courbes, des conversions en noir et blanc, développement de pellicules, etc.) Etre capable de donner vie à une idée de ce que l'image doit être et avoir un produit final physique qui reflète exactement cette idée est ... ce que j'appelle la vision.

Nathan: Dans mon propre travail, j'ai souvent tomber sur des idées au cours de la phase de traitement ... par exemple, une qualité sonore que je n'avais jamais pensé ou un contraste ajouté ici et là, etc Mais, pour moi, tout cela a à voir avec ces tons sombres avec qui je travaille. Dans votre travail, vos images sont souvent réalisés dans ces étonnantes gris, qui se manifestent dans des gradients de belles. Donc je suppose que ce que je suis en fin de compte poser est: quelle est l'importance de l'étape de traitement dans le développement de votre image finale et votre vision?

Kevin: Je pense vraiment que dans les termes d'une vision globale et à chaque pas que je fais dans mon processus, à partir du moment j'arrive à un endroit à l'image finale tous y contribuer. Je ne crois pas que cette vision se réalise que dans la phase de post-traitement - les choix que nous faisons sur le terrain (profondeur de champ, la longueur focale, durée d'exposition, l'emplacement nous avons choisi de filmer une scène donnée, etc) sont tous solidaires dans la réalisation d'une vision, et pour moi, sont des choix très conscient et exacte. Quand je photographie une scène, je dois le produit final dans ma tête avant même que je tire ma première image, et parfois, même quand je trouve une scène intéressante, je vais même pas tirer sur un cadre. Je passe beaucoup de temps à étudier mon sujet, en marchant autour d'eux, en essayant de trouver les meilleurs points de vue qui fonctionne le mieux avec ce que j'ai sous les yeux l'image finale pour ressembler, ce sont les meilleurs moments pour photographier un sujet donné, en attente pour le droit la lumière, en attendant les nuages (ainsi que pour les nuages se déplacer dans le bon sens). La plupart du temps, il s'agit de revisiter quelques dizaines emplacement unique de l'époque et encore maintenant, j'ai une énorme liste de lieux que j'ai photographiés dix fois ou plus où l'image ne fonctionne pas vraiment parfaitement.

Quand j'ai l'image parfaite, il est encore juste de matière première pour moi. La partie post-traitement est l'endroit où l'image prend vie. L'image jusqu'à ce point est tout simplement les couleurs d'un écran d'ordinateur ou de tons sur un film négatif. L'étape de post-traitement est l'endroit où je donne la profondeur d'image et la personnalité du photographe vient vraiment et je fais cela avec beaucoup de contraste et de couches de courbes, les conversions en noir et blanc, la suppression des distractions, des masques de calque, etc Une des questions Je me pose souvent est de savoir si les gradients de mes images existé dans l'image RAW d'origine ou d'un film négatif, et la plupart du temps - ils proviennent de l'heure du jour une image est prise, les filtres et j'utilise ces gradients deviennent améliorée dans l'étape de post-traitement. L'étape de post-traitement est un outil pour améliorer l'image de départ et de mon expérience, aucune quantité de post-traitement peut transformer une mauvaise photographie en un bon (j'ai essayé, à plusieurs reprises!). La caméra, un trépied, filtres, Photoshop, etc sont tous des outils que nous utilisons pour réaliser la vision et de post-traitement est un élément important de ce processus, mais il ne peut pas vivre sans un grand travail à huis clos.

Dans l'ensemble, la vision doit être unique pour chaque photographe parce que c'est la façon dont on voit le monde autour d'eux qui est le résultat d'une accumulation de l'expérience et de la personnalité. De plus, il s'agit d'un processus en constante évolution - de la façon dont je vois le monde d'aujourd'hui sera différent demain que mes expériences se développer et de s'intégrer dans ma psyché. Il ya eu des moments où j'ai marché par un renforcement des centaines de fois et ne pas voir quelque chose d'intéressant, mais un jour, quelque chose va cliquer et je vais voir un coup que je n'avais jamais remarqué auparavant. D'autres fois, je vais voir un coup tout de suite et tout s'enchaîne parfaitement (même si, ce qui est rare).

Nathan: À quel moment de la journée préférez-vous prendre en photo et pourquoi?

Kevin: J'aime vraiment la lueur des heures avant l'aube. En Californie du Sud, nous avons l'habitude d'obtenir une couche assez épaisse marine le matin et il donne tout bien, même éclairage. Cependant, je ne suis certainement pas une personne du matin, il est donc parfois difficile de sortir du lit, surtout pendant les mois d'hiver.

Nathan: Nous avons un peu parlé de la vision ... que diriez-vous d'humeur? Y at-il une ambiance particulière que vous cherchez à exprimer?

Kevin: La réponse courte est non, je ne regarde pas consciemment d'exprimer une ambiance particulière avec une image. Cependant, comme vous le savez, les photographes ne doivent astuces pour manipuler l'état d'esprit dans une photographie. Par exemple, le tir une exposition plus longue peut créer un effet calmant tout en sous-exposition ou un traitement plus sombre peut créer un sentiment de plus mystérieux. Lors de la création de mes images, je suppose que je fais essayer d'illicite un certain type d'état d'esprit du spectateur en fonction de la façon dont je vois une certaine scène (vision), mais ce n'est pas aussi précis que d'essayer de provoquer une émotion ou de l'humeur.

Pour moi, chaque image est un peu différent et peut affecter des personnes de diverses manières - la manière dont une image résonne et se connecte aux téléspectateurs qui est unique pour chaque personne. Nous avons tous vu des images qui sont techniquement parfait, magnifiquement composé, mais pour une raison quelconque, nous n'avons simplement pas se connecter à lui alors que pour quelqu'un d'autre, c'est une image très puissante émotionnellement. Je pense que l'art dans son ensemble, est un processus interactif entre l'artiste et le public - nous, en tant qu'artiste, amener nos pensées et la personnalité à travers nos images et le spectateur apporte leurs propres pensées et émotions en elle, et à travers cette interaction , une connexion à l'image est créée (ou pas). Pour moi, je sais que quand je vois une image qui résonne vraiment avec moi, le lien que j'ai avec lui est une chose très personnelle et intime que je ne m'attends pas à quelqu'un d'autre à comprendre alors que c'est la même chose avec tout le monde avec les images qu'ils aimer.

Nathan: Je voudrais vous demander de livrer une vision que j'ai de mon propre travail et lui demander si elle se rapporte à ce que vous faites ou si elle fait penser à tout ce qui pourrait être lié à l'une des différentes étapes de votre processus créatif . Alors que je travaillais sur mon baccalauréat et une maîtrise en littérature, j'ai passé la majorité de mes études se sont concentrées sur la poésie, et, à travers ces études, j'ai appris à voir / comprendre l'image d'un poème et tout saut d'interprétation on pourrait souhaiter prendre- à travers les spécificités de la langue que poème, en d'autres termes, quel que soit le poème pourrait éventuellement exprimer, ou moyenne, il faut arriver à de telles choses d'abord comprendre ce qui est d'abord décrite, donnée par le texte du poète lui-même (plutôt que de sauter à droite à la signification basée sur la façon dont le poème qui vous fait sentir). Cela devient important pour moi dans mon travail et dans la façon dont je vois le travail des autres, parce que, en fin de compte, la plupart d'entre nous sont tout photographier une réelle quelque chose, que ce soit un arbre, un rocher, un avion dans le ciel, tempête nuages, l'angle d'un bâtiment, une vieille femme tenant un bébé, une femme nue avec désinvolture assis sur une chaise dans l'ombre, ou un chat indifféremment en regardant par la fenêtre. En fin de compte, la photographie est d'abord et avant tout que ... la chose réelle ... mais alors il ya ce saut que nous tenons au-delà, que ce soit un lien émotionnel, une pointe de nostalgie, un chatouillement intellectuelle, une course légère de mélancolie, ou un éclat doux du bonheur se manifeste dans un sourire ou, pour beaucoup, un regard rapide de l'indifférence. La photographie est donc certainement, comme vous le dites, une expérience liée à la personne qu'il considère ... et cette expérience peut être limité à ceux qui veulent la pop eye candy d'un coucher de soleil coloré ou aussi personnelle que d'une connexion presque poétique dans une certaine émotion qu'ils se rapportent pour les pixels de l'instant. C'est cet égard poétique, connexion même philosophique, que je suis à la recherche de mon propre travail, que ce soit quelqu'un d'autre le voit ou non - et tout cela vient, une fois de plus, de cette chose réelle. La photo d'un rocher avec les nuages filant ou trois arbres entassés dans la neige peut invoquer une variété d'émotions de nombreuses personnes différentes, mais, en fin de compte, il ya toujours ce fait de ce que, d'abord et avant tout, c'est. J'ai donc fabriquer mes propres images sur la possibilité d'ambiances différentes, mais, en fin de compte, je suis toujours conscient que l'image d'un rocher avec des nuages, ou la statue de Bouddha sur un mur, est tout simplement ces choses. Pour moi ... c'est plus que suffisant. Tout le reste peut être laissé à l'état d'esprit du spectateur. Est-ce que tout cela résonne avec vous à tout ... ou évoquent des perspectives que vous pourriez avoir au sujet de votre propre travail ou la photographie en général?

Kevin: Absolument, je suis entièrement d'accord avec vous - un rocher, peu importe comment on le regarde, est encore un rocher. Je pense que la différence est la façon dont un photographe traduit ce rocher sur une image finale - une exposition de courte durée peut capturer les vagues autour de ce rocher, une longue exposition peut créer une eau calme, un grand-angle peut faire ce rocher insignifiante dans le cadre, tandis qu'un gros plan peut faire la roche plus dominant. Pour moi, la façon dont nous présentons le sujet (composition, l'utilisation de l'espace, du cadrage, etc) donne le ton de la conversation entre le photographe et le spectateur. La roche peut-être encore un rocher, mais nous pouvons faire preuve d'audace avec lui ou sous-estimés et pour moi, au moins, la façon dont je présente mes images, donne un aperçu de ma personnalité. Je suis un introverti typique et je pense que ce qui est révélé dans mes images. Si vous et moi sommes allés tourner ensemble et nous avons tous deux photographié la Transamerica Pyramid, nous aurions tous deux interprètent différemment le bâtiment et les présenter différemment. Le bâtiment est toujours un bâtiment, mais ce que nous disons et comment nous le dire pour le spectateur sera différent. Je pense que un bon exemple de ceci est Bob Dylan et les différentes versions de Jimi Hendrix de "All Along the Watchtower" - ce sont les mêmes mots et la musique, mais interprété de manière complètement différente.

Nous ne pouvons pas contrôler la façon dont un spectateur va réagir à une image et si oui ou non cet égard poétique ou philosophique est créé ou non. Est-ce que lien important? Je pense à un certain niveau, il est. On peut mesurer à quel point l'image est sur la façon dont les téléspectateurs se connecter à lui, mais d'un autre côté, je n'ai pas fabriquer mes propres images à toutes les attentes. Quand j'ai été à partir de la photographie, qui était plus important pour moi que maintenant. Aujourd'hui, quand je photographie, je cherche à développer des concepts forts qui fouillent autour d'une certaine idée (par exemple, mon "bombardier furtif" série), j'essaie de continuer à perfectionner mon style, et j'essaie de créer quelque chose de mieux que mon image précédente. Bien sûr, je suis toujours intéressé à tout simplement faire une belle image, et pour paraphraser David Fokos, il n'ya rien de mal à vouloir rien de plus que de créer une belle image. Je ne pense pas que toutes les images ont besoin pour créer une psychologique, connexion poétique ou philosophique, mais ce n'est certainement pas de mal.

Nathan: Pouvez-vous m'en dire un peu plus sur les concepts que vous poursuivez? Je suis curieux de savoir pourquoi vous avez choisi "Stealth Bomber" comme titre et de se concentrer. Je vois des raisons d'un tel choix dans les formes que vous capturez, mais un bombardier furtif est aussi une arme de guerre et celle qui s'appuie sur une grande surprise. J'aimerais en savoir plus sur ce qui se passe dans les thèmes que vous poursuivez et les titres vous est venue. Quand j'ai commencé, il était très important que je n'avais titres qui reflètent ce que je pensais peut-être après dans mon travail, par exemple, aujourd'hui repensée et rebaptisée mon «Un athée affronte Dieu" série. Mais, après une conversation avec un ami, qui est à la fois un poète et un romancier publié et ancien professeur de la mienne, j'ai décidé de laisser tomber ce genre de titres, car, enfin, il m'avait convaincu que j'étais imposer trop de sens sur mon images, c'est à dire les images doivent être autorisés à parler pour eux-mêmes. Je n'ai certainement pas une telle émission ou une préoccupation avec la façon dont les autres titres de leurs images, mais je suis souvent curieux de connaître le processus et l'intention derrière ces décisions. Dans cet esprit, il n'ya rien que vous êtes prêt à partager au sujet de ces choses, à la fois en général et comment elles pourraient s'appliquer aux choix que vous faites?

Kevin: Pour moi, concepts ou des thèmes me permet de me concentrer affiner quand je suis sur la photographie - Je cherche quelque chose de très spécifique qui correspond à un critère comme une certaine géométrie dans le bâtiment ("bombardier furtif"), une certaine interaction dans le sujets («temple»), ou l'expérimentation d'un sujet quotidien («zéro»). Je pense que la série en tant que mouvements dans une symphonie. Chaque mouvement doit se complètent mutuellement et ajoute à l'émotion globale de la pièce. Chaque partie peut exister isolément, mais de les mettre ensemble crée quelque chose qui est plus grand que la somme des parties. Pour moi, je dois photographier les images avec la prévoyance qu'ils vont faire partie d'une série. Tenter de regrouper les images par la suite souvent décousue quitte le travail et les images semblent incompatibles. Parfois, cela peut prendre beaucoup de temps. Par exemple, il a fallu environ trois ans pour obtenir cinq images pour "bombardier furtif", mais d'autre part, que deux jours pour obtenir six images pour «zéro».

Honnêtement, je ne mets pas beaucoup de pensée dans des titres d'image. Mon "bombardier furtif" série a été initialement nommé "coin bureau." En général, je pense à mes titres d'image que les titres de travail jusqu'à ce que j'ai réglé sur quelque chose qui a une impression durable sur moi. Dans "bombardier furtif", le titre est vraiment venu de la forme des bâtiments faits plutôt que de la fonction. Les bombardiers furtifs sont magnifiquement élégant et un design inhabituel par rapport aux autres avions et j'ai vraiment aimé la façon dont la géométrie coin bureau, quand les photographier tout droit vers le haut, imité cette conception. Dans l'ensemble, j'essaie d'éviter les titres qui peuvent se prévaloir d'une certaine émotion et essayer de s'en tenir à des titres qui ne sont plus descriptifs des sujets, mais ce n'est pas une règle stricte pour moi. Comme vous, j'essaie de ne pas imposer un sens à mes titres d'image.

Nathan: Vous avez déjà dit que lorsque vous avez commencé à la poursuite de la photographie n'y avait pas de photographes que vous admiriez ou voulu imiter. Que diriez-vous maintenant?

Kevin: Au début, quand j'ai commencé à chercher du travail autre photographe, le photographe qui a fait la plus grande impression sur moi, c'était Michael Kenna. J'ai probablement passé des années à essayer d'(sans succès) imiter son style, mais comme je l'ai eu plus d'expérience, mon accent a été mis davantage sur le développement de mon propre style et de la voix plutôt que de copier les autres photographes. Cependant, j'ai encore consulter et étudier le travail de nombreux photographes de tous les jours. J'aime beaucoup le travail de David Fokos et Michael Levin (ainsi que Kenna) parce que leur travail est toujours impeccable et riche avec une multitude de nuances. Dernièrement, j'ai été très influencé par les œuvres d'Elliott Wilcox (en particulier son «tribunaux» série) et Murray Fredericks (en particulier, son "Salt" série). Nous avons parlé tout à l'heure les téléspectateurs de connexion ont des images et pour moi, "tribunaux" et "Salt" sont deux séries de travaux qui vraiment se connecter avec moi.

Nathan: Je veux changer les directions et parler un peu de choses techniques comme les caméras, les lentilles et les filtres. Vous avez utilisé un Hasselblad, c'est exact?
Hasselblad 500 CM

Kevin: Oui, j'ai aussi filmer avec une 500cm. J'utilise le plus souvent un objectif de 50mm, mais j'ai aussi un 80mm et 150mm. J'ai rarement porter le 150mm avec moi, même s'il ya eu beaucoup de fois où je ne l'ai pas avec moi, et je souhaite que j'ai fait.

Nathan: Qu'est-filtres que vous utilisez?

Kevin: Je porte toujours un polariseur et une densité de 10-arrêt filtre neutre avec moi. J'utilise aussi jaunes et rouges filtres colorés quand je suis prise de vue film en noir et blanc.

Nathan: Pour vos images de film, travaillez-vous dans la chambre noire ou traitez-vous vos images numériques? Et avez-vous encore travailler avec des caméras numériques?

Kevin: Je traite mes images de films en numérique. À un certain moment, je serais ravie d'apprendre à créer des impressions dans la chambre noire, mais n'ont pas encore eu l'occasion. Je continue à travailler avec des caméras numériques et portent généralement deux caméras, mon Canon 40d et mon Hasselblad 500cm-avec moi quand je suis sur la photographie.

Nathan: Et, bien sûr, je dois demander l', quand il vient vraiment à elle, inutile de questions mais je ne pense comment on répond à cette question peut offrir beaucoup de perspicacité dans le photographe: préférez-vous argentique ou numérique ( avec l'implication presque inévitable que l'on pourrait être intrinsèquement meilleure que l'autre)?

Kevin: deux caméras analogiques et numériques ont leurs avantages et inconvénients. J'ai certainement l'amour de la commodité du numérique - être capable de photographier quelque chose et de commencer à l'éditer immédiatement est un avantage certain. J'ai commencé à apprendre la photographie numérique à l'aide, et je doute que j'aurais développé mon style particulier si j'avais d'abord appris la photographie utilisant des caméras analogiques. La photographie numérique m'a permis d'expérimenter un plus grand nombre avec ma photographie et être en mesure de voir les résultats en temps réel permettez-moi de faire des ajustements tout de suite. Cependant, travailler avec un appareil moyen format entièrement manuel est une expérience beaucoup plus agréable. J'aime être en contrôle de tous les aspects de l'image processus - de mise au point manuelle sur un sujet et le traitement de mon film à travers le post-traitement. Affichage d'un négatif avec une loupe et visionneuse est beaucoup plus excitant que de regarder sur un écran LCD de l'appareil photo. Film offre également les avantages d'une plus grande plage dynamique et tailles d'image supérieures à une seule capture numérique, mais ce sont les contraintes technologiques qui seront probablement inversées dans quelques années. Photographier dans le film m'a forcé à ralentir mon image de décision et je deviens beaucoup plus au courant de tout dans le cadre et la façon dont je compose une scène. Puisque je ne peux pas voir l'image tout de suite et faire de petits ajustements immédiatement, j'essaie d'être très conscient lorsque vous photographiez dans un film de s'assurer que la composition, l'exposition (etc) sont parfaits avant de prendre la photo.

Nathan: Vous travaillez principalement en monochrome et ont tendance à privilégier le format carré. Y at-il des raisons particulières pour lesquelles vous préférez en noir et blanc et le format carré?

Kevin: Mon tendance à présenter mon travail en images monochromes carrés vient de la façon dont je vois l'image finale traitée dans ma tête. J'essaie de ne pas me limiter à un format particulier et que ma façon de voir une scène en particulier lorsque je photographie ce dicter pour moi. Je pense que forcer un style de transformation et / ou le format sur une image où il ne fonctionne pas conduit au produit final déséquilibrée - ". S'animent« tout besoin de travailler ensemble dans l'harmonie (composition, le traitement, la mise en forme) pour une image à ce est une leçon particulière que j'ai appris à la dure - à la recherche de retour à mon travail plus tôt, je vois beaucoup de cas où j'ai utilisé le format carré pour les images qui n'ont tout simplement pas adapté au format.

Nathan: Quelles sont vos réflexions globales sur les expositions longues? Avez-vous volontairement chercher des occasions de travailler avec eux ou vous laissez une scène en particulier / humeur / heure actuelle dictent ces choix? En d'autres termes, êtes-vous d'abord intéressés à trouver des façons d'utiliser les longues expositions ou est-ce juste un autre processus que vous pouvez utiliser si vous le souhaitez?

Kevin: Comme la question précédente relative à la présentation monochrome et carré, comment j'envisage l'image finale dicte la façon dont je vais photographier une scène. Une grande majorité de mes images sont longues expositions, mais je n'aime pas "force" (faute d'un meilleur terme), une technique sur une certaine image si je ne pense pas qu'il va fonctionner. Être capable de photographier des expositions longues me permet d'avoir une autre technique à ma disposition - il est extrêmement polyvalent en ce que j'ai le choix pour photographier (en fonction de la lumière) 1/3200 de seconde jusqu'à plusieurs heures. Je considère toutes les techniques que j'ai appris que des outils différents dans ma boîte à outils - un charpentier ne voudrais pas utiliser un marteau quand il / elle doit utiliser un tournevis. Quand je suis sorti à un endroit particulier et je vois l'image finale dans ma tête, je me sers des techniques pour m'aider à atteindre ce résultat.

Nathan: Ne vous faites vos propres impressions?

Kevin: Je ne dispose pas imprimer mes propres images. J'aimerais savoir Piezography ainsi que l'impression en chambre noire, mais je n'ai pas été en mesure de consacrer le temps d'apprendre encore.

Nathan: Où espérez-vous de prendre votre photographie dans les années à venir?

Kevin: En ce moment, je suis juste concentré sur la poursuite d'affiner et de développer mon style et la voix. Je ne considère pas la photographie avec un objectif précis en tête. Au lieu de cela, je considère comme un parcours en constante évolution qui ajoute un peu à la façon dont je vois le monde. Avec chaque image, je trouve une nouvelle orientation ou une nouvelle idée et je l'ai simplement suivre pour voir ce que je peux découvrir. Cela dit, j'espère que d'avoir un livre publié avec une petite collection d'images d'ici la fin de l'année.

Nathan: J'ai remarqué que vous avez une approche plutôt timide dans le monde de partage en ligne. Quels sont vos sentiments généraux sur le partage de votre travail sur la photographie liés à des sites en ligne (comme 500px, Flickr, Google, etc)?

Kevin: En fait, le plus grand coupable au travail minimal Je partage en ligne est vraiment due à la quantité de temps que je dois consacrer à des sites de photographie. Jusqu'à il ya quelques années, j'ai eu beaucoup plus de temps libre pour parcourir travail, suivre les contacts, découvrir de nouveaux contacts, de commentaires et d'autres critique »de travail. Je me sens toujours terrible nouvelle adresse de travail en sachant que je n'aurai pas le temps de rendre la pareille à mes propres contacts ou les personnes qui prennent le temps de commenter mon travail. Comme vous l'avez découvert dans mes longs retards dans les réponses par courrier électronique, quand ma vie est très fréquentée, la première chose qui se réduit le temps que je passe en ligne. Il faut un engagement de temps assez important pour faire face à tous les sites de photos différentes et il n'y a vraiment pas assez d'heures dans la journée pour tout faire.

Nathan: Nous avons déjà parlé de ton parcours musical et ses influences possibles sur votre travail, mais je voudrais aussi savoir si vous écoutez de la musique pendant que vous traiter vos images, et, si oui, quelle musique vous avez tendance à écouter?

Kevin: La musique joue une grande partie de ma vie, donc je ne écouter de la musique pendant le traitement d'images. Mes goûts musicaux sont très éclectiques, pour que je puisse être à l'écoute de quoi que ce soit. À un certain niveau subconscient, je suis sûr que ce que j'écoute influence mes pensées tandis que le traitement des images, mais je n'ai pas consciemment chercher quelque chose en particulier. En fait, j'ai souvent mis mon iTunes shuffle et laissez-le jouer qui peut être un peu déroutant lorsque Hendrix, Chopin, Mos Def, DJ Shadow et chaussées trouver dans la succession.

Nathan: Avez-vous des conseils pour ceux qui aiment vraiment votre travail?

Kevin: Je pense que la construction d'une base solide est important lors de l'apprentissage tout art, l'apprentissage et la compréhension des règles photographiques (et quand les casser), la façon de bien exposer, composer, et d'utiliser les outils (appareil photo, Photoshop, etc) sont très importante. Je suis aussi un grand défenseur de l'étude du travail des autres - à comprendre pourquoi un autre photographe a choisi d'utiliser une focale donnée, la composition et de traitement, puis apprendre comment ils ont obtenu des résultats similaires peuvent conduire à des découvertes très intéressantes. Une fois que la maîtrise des rudiments sont en baisse, alors il faut travailler à l'élaboration d'une vision personnelle et le style - comment nous voyons le monde et notre interprétation de celui-ci à travers la photographie et de l'image du processus de décision est l'une des choses qui nous rend unique.
Nathan: Que pensez-vous du concept, idée, genre, etc de la photographie d'art? Le terme est utilisé par beaucoup de photographes aujourd'hui pour représenter beaucoup de styles différents. Qui pensez-vous que cela signifie (si rien du tout)?

Kevin: Aujourd'hui, la photographie d'art semble tout simplement comme une expression fourre-tout pour tout ce qui n'est pas le travail de photographie documentaire. Je pense que c'est simplement une façon de catégoriser des images nettes dans des petites boîtes de sorte qu'ils puissent être facilement segmentés. Honnêtement, je ne pense pas que cela signifie quoi que ce soit -, il ya beaucoup de photographes documentaires fantastiques dont les travaux pourraient être classées comme objets d'art (W. Eugene Smith, Robert Capa, Kevin Carter, entre autres) et vice versa (comme Nick Brandt , John Weller, Camille Seaman).

Nathan: Qu'est-ce, sinon rien, c'est la signification de Kevin Saint Grey?

Kevin: J'ai commencé à utiliser Kevin Saint Grey comme un pseudonyme pour séparer ma photographie personnelle de ma carrière professionnelle. Cette ligne a commencé à s'estomper après que j'ai commencé à entrer dans certains concours de photographie international car je dois entrer sous Kevin Kwok. J'utilise indifféremment les deux noms maintenant, mais je préfère utiliser "Kevin Saint Grey" pour la photographie car il ya un assez grand nombre Kevin Kwok est dans le monde et au moins un d'entre eux photographies.

«Saint» est une référence à saint Kevin de Glendalough (498-618 après JC) qui était (selon certains textes) un introverti extrême et un défenseur du bien-être des animaux, qui tous deux également me décrire. "Grey" vient de ma préférence pour la photographie en monochrome.

Nathan: Tout ce que vous voudriez ajouter?

Kevin: Je voudrais juste vous dire merci beaucoup pour cette opportunité. Comme vous le savez, je suis un grand admirateur de votre travail et c'est un grand honneur pour moi d'être invité à une entrevue. Merci, encore une fois.

Nathan: Croyez-moi quand je dis que le privilège est pour moi, Kevin. Sans aucun doute, vous êtes l'un de mes photographes préférés travail très aujourd'hui.

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Ces deux images, "sentinelles" (ci-dessus) et «pyramide» (ci-dessous), sont les premières images de mon portefeuille et les deux tiennent une place spéciale pour moi. Prise au début de 2009, ces images vraiment marquer le moment où j'ai compris comment je voulais représenter des images architecturales. Notamment en «pyramide», il ya un plus grand accent sur la géométrie, l'angle et la lumière, mais plutôt sur la construction proprement dite. Je me souviens de photographier ces deux très clairement. Alors que la photographie «pyramide», j'ai été étendu sur le trottoir dans un angle difficile et les gens se promenaient par coulée me regards curieux. Honnêtement, j'étais un peu gêné lorsque j'ai vu les images sur mon écran LCD et tout a cliqué dans mon cerveau. C'était excitant de voir l'image de sortir exactement comme je l'espérais et je suis devenu accro. D'une certaine façon, je suis toujours courir après ce sentiment. Il ya toujours une part de hasard lorsque l'on travaille avec de longues expositions (par exemple, les nuages ne peuvent pas se déplacer dans la façon dont vous les voulez) mais quand tout fonctionne parfaitement, c'est comme une grande.

J'ai perdu le compte du nombre de fois où j'ai photographié cet immeuble en centre ville de LA Je me souviens de ce jour assez clairement - nous avons rarement nuages à Los Angeles et je me souviens regardant à l'extérieur le matin pour une journée nuageuse et de la pensée à moi, je n'ai pas vraiment envie d'aller à la chasse, mais je me suis forcé à sortir de l'appartement. Mon plan était de prendre une longue exposition de ce bâtiment, mais comme j'ai été mise en place, les pigeons ont commencé à prendre un vol autour de moi. Je n'ai pas vraiment eu le temps de vérifier les paramètres de mon appareil - tout est arrivé si vite et j'ai instinctivement cliqué sur le déclencheur. Je ne savais pas vraiment ce que j'avais parce que je tournais avec un appareil argentique mais j'ai eu un bon sentiment à ce sujet. Quand je regarde cette image (et le «temple I"), je me rappelle toujours de deux choses: premièrement, pour tirer parti des situations, vous sont présentés avec et que vous ne saurez jamais ce que vous obtenez lorsque vous êtes dans le monde, même si vous n'avez pas envie de sortir là-bas.

J'ai perdu le compte du nombre de fois où j'ai photographié cet immeuble dans le centre de LA Je me souviens de ce jour assez clairement - nous avons rarement nuages à Los Angeles et je me souviens regardant à l'extérieur le matin pour une journée nuageuse et de penser à moi, je didn 't vraiment envie d'aller à la chasse, mais je me suis forcé à sortir de l'appartement. Mon plan était de prendre une longue exposition de ce bâtiment, mais comme j'ai été mise en place, les pigeons ont commencé à prendre un vol autour de moi. Je n'ai pas vraiment eu le temps de vérifier les paramètres de mon appareil - tout est arrivé si vite et j'ai instinctivement cliqué sur le déclencheur. Je ne savais pas vraiment ce que j'avais parce que je tournais avec un appareil argentique mais j'ai eu un bon sentiment à ce sujet. Quand je regarde cette image (et le «temple I"), je me rappelle toujours de deux choses: premièrement, pour tirer parti des situations, vous sont présentés avec et que vous ne saurez jamais ce que vous obtenez lorsque vous êtes dans le monde, même si vous n'avez pas envie de sortir là-bas.

Je dois avoir passé devant cet emplacement centaines de fois avant, j'ai remarqué ce point de vue. J'ai toujours eu des plans pour photographier ce bâtiment, mais n'ai jamais pu comprendre la meilleure façon de le présenter. Quand j'ai pris cette image, je l'avais déjà se promener dans la chaleur pendant plusieurs heures dans le centre-ville de Los Angeles et a pris une pause à l'ombre de ce surplomb. Puis j'ai remarqué cette composition. C'était un peu difficile car je n'avais pas un objectif qui était assez large pour capturer l'image entière, mais je l'ai fait travailler par piqûre huit ou neuf images.

Je dois avoir passé devant cet emplacement centaines de fois avant, j'ai remarqué ce point de vue. J'ai toujours eu des plans pour photographier ce bâtiment, mais n'ai jamais pu comprendre la meilleure façon de le présenter. Quand j'ai pris cette image, je l'avais déjà se promener dans la chaleur pendant plusieurs heures dans le centre-ville de Los Angeles et a pris une pause à l'ombre de ce surplomb. Puis j'ai remarqué cette composition. C'était un peu difficile car je n'avais pas un objectif qui était assez large pour capturer l'image entière, mais je l'ai fait travailler par piqûre huit ou neuf images.

Ces deux ont été photographiés en 2009 et sont en fait le même bâtiment («immobile» est le côté est tandis que le «haut» est le côté ouest). Ces deux images représentent pour moi la direction et la vision photographique, je commence tout juste à se développer. Les racines de la plupart des qualités esthétiques que je recherche dans les images d'aujourd'hui sont ici évidentes, à savoir les lignes et la géométrie. Ces deux images ont été ré-édité dans la dernière année pour profiter de mes plus avancées des techniques de post-traitement et de s'aligner sur mon esthétique actuels, mais les racines de l'image est venu à partir de 2009.

"Immobile" ont été photographiés en 2009 et sont en fait le même bâtiment («immobile» est le côté est tandis que le «haut» est le côté ouest). Ces deux images représentent, pour moi, la direction et la vision photographique, je commence tout juste à se développer. Les racines de la plupart des qualités esthétiques que je recherche dans les images d'aujourd'hui sont ici évidentes, à savoir les lignes et la géométrie. Ces deux images ont été ré-édité dans la dernière année pour profiter de mes plus avancées des techniques de post-traitement et de s'aligner sur mon esthétique actuels, mais les racines de l'image est venu à partir de 2009.

kevin saint gris Ces deux images, "bombardier furtif II» et «bombardier furtif IV," font partie d'une grande série d'immeubles de bureaux en coin. La série a commencé en 2008 et j'ai pris des centaines d'images avec cette composition. J'ai re-tiré une majorité d'entre eux pour répondre plus systématiquement ensemble. C'était la première fois que j'avais vraiment travaillé sur un thème et j'aime vraiment la façon dont les images abstraites regarder ensemble. L'accent est mis moins sur le bâtiment et plus de la netteté des lignes et des angles. Depuis que j'ai commencé à libérer ceux-ci, j'ai vu beaucoup de gens leur tirer dessus avec une composition similaire. Je ne sais pas si c'est à cause de moi ou si c'est une évolution parallèle, mais j'espère que j'ai changé la façon dont les gens voient la photographie d'architecture dans une petite mesure.

Ces deux images, "bombardier furtif II" (ci-dessus) et "bombardier furtif IV" (ci-dessous), font partie d'une grande série d'immeubles de bureaux en coin. La série a commencé en 2008 et j'ai pris des centaines d'images avec cette composition. J'ai re-tiré une majorité d'entre eux pour répondre plus systématiquement ensemble. C'était la première fois que j'avais vraiment travaillé sur un thème et j'aime vraiment la façon dont les images abstraites regarder ensemble. L'accent est mis moins sur le bâtiment et plus de la netteté des lignes et des angles. Depuis que j'ai commencé à libérer ceux-ci, j'ai vu beaucoup de gens leur tirer dessus avec une composition similaire. Je ne sais pas si c'est à cause de moi ou si c'est une évolution parallèle, mais j'espère que j'ai changé la façon dont les gens voient la photographie d'architecture dans une petite mesure.

Il ya plusieurs années, je me suis intéressé au mouvement de la caméra intentionnelle (ICM) technique après avoir regardé Chris Friel travail surréaliste merveilleux. Je l'ai expérimenté pendant des mois sans jamais obtenir de résultats que j'ai vraiment aimé. À l'été 2010, j'ai vu ce bâtiment avec de très fortes lignes verticales dans le centre de San Diego et je savais que je devais essayer ICM sur elle. J'ai pris une centaine de coups de feu et chacun d'entre eux étaient horribles, sauf un, qui s'est avéré être «dystopie I." Je devais avoir l'air fou aux spectateurs depuis je me déplaçais mon appareil photo partout, mais je suis d'accord avec cela. J'ai eu le coup de feu qui est tout ce qui compte.

Il ya plusieurs années, je suis devenu intéressé par le mouvement de la caméra intentionnelle (ICM) technique après avoir regardé Chris Friel travail surréaliste merveilleux. J'ai expérimenté avec la technique pendant des mois sans jamais obtenir de résultats que j'ai vraiment aimé. À l'été 2010, j'ai vu ce bâtiment avec de très fortes lignes verticales dans le centre de San Diego et je savais que je devais essayer ICM sur elle. J'ai pris une centaine de coups de feu et chacun d'entre eux étaient horribles, sauf un, qui s'est avéré être «dystopie I.« Je devais avoir l'air fou aux spectateurs depuis je me déplaçais mon appareil photo partout, mais je suis d'accord avec cela. J'ai eu le coup de feu qui est tout ce qui compte.

kevin saint gris que j'ai vu ce bâtiment photographié à quelques reprises par mon ami (vérifier son travail ici: http://engelhardt.zenfolio.com/) Jeff. L'été dernier, j'ai fait un voyage à Seattle, Washington à visiter et photographier avec lui et ce bâtiment était sur ma liste d'endroits à visiter. Il ya un grand mélange d'éléments courbes et droites dans ce bâtiment qui fait des compositions intéressantes. Alors que je marchais autour de ce bâtiment, je prenais note en particulier de la direction des nuages et je cherchais un moyen d'intégrer le mouvement des nuages avec la géométrie du bâtiment.

J'ai vu ce bâtiment photographié à quelques reprises par mon ami Jeff. L'été dernier, j'ai fait un voyage à Seattle, Washington à visiter et photographier avec lui et ce bâtiment était sur ma liste d'endroits à visiter. Il ya un grand mélange d'éléments courbes et droites dans ce bâtiment qui fait des compositions intéressantes. Alors que je marchais autour de ce bâtiment, je prenais note en particulier de la direction des nuages et je cherchais un moyen d'intégrer le mouvement des nuages avec la géométrie du bâtiment.

kevin saint gris Au cours des dernières années, j'ai travaillé (on et off) sur une série de Disney Concert Hall. Le bâtiment, remarquable pour la conception Gehry manque de symétrie et a des courbes inhabituelles qui fait composer une image difficile pour moi. Il s'agit de la première image de ce sujet où je me sentais vraiment les éléments travaillé ensemble - les lignes opposées de la main courante et le mur donne l'image de la tension sans être disjoints tandis que les lignes horizontales dans l'escalier donnent la fondation.

Au cours des dernières années, j'ai travaillé (on et off) sur une série de Disney Concert Hall. Le bâtiment, remarquable pour la conception Gehry manque de symétrie et a des courbes inhabituelles qui fait composer une image difficile pour moi. Il s'agit de la première image de ce sujet où je me sentais vraiment les éléments travaillé ensemble - les lignes opposées de la main courante et le mur donne l'image de la tension sans être disjoints tandis que les lignes horizontales dans l'escalier donnent la fondation.

Mon amie et moi avons fait un voyage à Monument Valley, Utah début de cette année. Sur notre chemin du retour, nous nous sommes arrêtés dans un éventaire routier et, comme elle a été l'achat de quelques souvenirs, je prenais un coup d'œil à un monument à proximité avec une lune derrière elle. Ensuite, j'ai remarqué ce petit avion volant dans mon cadre. Au début, j'étais un peu énervé parce qu'il a été la cause de ma composition à être déséquilibré, mais comme je l'ai attendu, il se rapprocha et plus proche de la lune. Je ne pense pas que ma tête vraiment enregistré ce qui se passait, mais je savais que quelque chose d'intéressant qui allait se passer. Après quelques instants, tout était réuni et j'ai attendu quelques secondes et se mit en cliquant furieusement. J'aime beaucoup la simplicité de cette image.

Mon amie et moi avons fait un voyage à Monument Valley, Utah début de cette année. Sur notre chemin du retour, nous nous sommes arrêtés dans un éventaire routier et, comme elle a été l'achat de quelques souvenirs, je prenais un coup d'œil à un monument à proximité avec une lune derrière elle. Ensuite, j'ai remarqué ce petit avion volant dans mon cadre. Au début, j'étais un peu énervé parce qu'il a été la cause de ma composition à être déséquilibré, mais comme je l'ai attendu, il se rapprocha et plus proche de la lune. Je ne pense pas que ma tête vraiment enregistré ce qui se passait, mais je savais que quelque chose d'intéressant qui allait se passer. Après quelques instants, tout était réuni et j'ai attendu quelques secondes et se mit en cliquant furieusement. J'aime beaucoup la simplicité de cette image.

This image fait partie d'une série plus vaste où j'ai photographié des morceaux de papier gondolé. Jusqu'à ce point, mon accent était mis sur l'architecture et les paysages et je n'avais jamais vraiment expérimenté nature morte photographie. J'ai été inspiré après avoir vu le documentaire "Entre les plis" (2006) à propos de l'art de l'origami. Dans un clip, un artiste origami Tel Aviv, Paul Jackson, a parlé de sa technique de l'origami une fois où le papier est manipulé avec un seul pli pour créer complexes formes tridimensionnelles. J'ai été vraiment frappé par la simplicité de la technique couplée à la complexité des résultats et j'ai commencé à expérimenter avec le papier comme un sujet sans plis (ce qui n'est pas techniquement origami). J'ai été vraiment frappé par l'aspect organique de mes résultats et j'ai commencé à ajouter du papier de plus en plus de créer des modèles de plus en plus complexes. Proportions dorées sont formés naturellement par le curling et le défrisage du papier et j'ai vraiment adoré les nuances que la lumière créés dans les courbes. J'ai appris beaucoup de choses à expérimenter avec cette série - mais le plus important est que l'inspiration peut venir de n'importe où et je ne devrais pas me limiter à la pensée des sujets particuliers.

Cette image fait partie d'une série plus vaste où j'ai photographié des morceaux de papier gondolé. Jusqu'à ce point, mon accent était mis sur l'architecture et les paysages et je n'avais jamais vraiment expérimenté nature morte photographie. J'ai été inspiré après avoir vu le documentaire "Entre les plis" (2006) à propos de l'art de l'origami. Dans un clip, un artiste origami Tel Aviv, Paul Jackson, a parlé de sa technique de l'origami une fois où le papier est manipulé avec un seul pli pour créer complexes formes tridimensionnelles. J'ai été vraiment frappé par la simplicité de la technique couplée à la complexité des résultats et j'ai commencé à expérimenter avec le papier comme un sujet sans plis (ce qui n'est pas techniquement origami). J'ai été vraiment frappé par l'aspect organique de mes résultats et j'ai commencé à ajouter du papier de plus en plus de créer des modèles de plus en plus complexes. Proportions dorées sont formés naturellement par le curling et le défrisage du papier et j'ai vraiment adoré les nuances que la lumière créés dans les courbes. J'ai appris beaucoup de choses à expérimenter avec cette série - mais le plus important est que l'inspiration peut venir de n'importe où et je ne devrais pas me limiter à la pensée des sujets particuliers.

kevin saint gris prise plus tôt cette année, c'est ce que je considère comme l'un de mes paysages typiques. Je suis très rarement voir des arbres dans l'eau quand j'ai vu cela, j'ai eu pour obtenir une image de celui-ci. Il a été initialement cultivées 5x4 et après un certain temps le regardant, j'ai aimé cette composition mieux. Quand je compose une image, j'essaie toujours de trouver l'équilibre parfait entre le sujet et l'espace - pour moi, ne doit pas non concurrence et ils devraient se renforcer mutuellement dans le cadre. Cette image n'est rien de plus qu'une jolie image, mais comme David Fokos demande: «Celui qui dit qu'il y avait trop de beauté dans le monde?"

Prise plus tôt cette année, c'est ce que je considère comme l'un de mes paysages typiques. Je suis très rarement voir des arbres dans l'eau quand j'ai vu cela, j'ai eu pour obtenir une image de celui-ci. Il a été initialement recadrée 5 × 4 et après un certain temps le regardant, j'ai aimé cette composition mieux. Quand je compose une image, j'essaie toujours de trouver l'équilibre parfait entre le sujet et l'espace - pour moi, ne doit pas non concurrence et ils devraient se renforcer mutuellement dans le cadre. Cette image n'est rien de plus qu'une jolie image, mais comme David Fokos demande: «Celui qui dit qu'il y avait trop de beauté dans le monde?"

kevin saint gris Cette image a été prise en 2009, mais a finalement été transformé en 2011. Je n'étais pas sûr si c'était assez bon au processus de sorte qu'il est resté dans mes archives. Je ne pense pas que j'ai vraiment vu le potentiel de cette image et un jour que je nettoyais mon disque dur, cette image cliqué pour moi. Les points focaux multiples et mélange de flou et de netteté donner ce une tension maladroit et semble presque déséquilibré. Je doute que je l'ai réalisé au moment où j'ai pris l'image, mais je me demande ce que j'ai vu à l'origine qui m'a fait prendre.

Cette image a été prise en 2009, mais a finalement été transformé en 2011. Je n'étais pas sûr si c'était assez bon au processus de sorte qu'il est resté dans mes archives. Je ne pense pas que j'ai vraiment vu le potentiel de cette image et un jour que je nettoyais mon disque dur, cette image cliqué pour moi. Les points focaux multiples et mélange de flou et de netteté donner ce une tension maladroit et semble presque déséquilibré. Je doute que je l'ai réalisé au moment où j'ai pris l'image, mais je me demande ce que j'ai vu à l'origine qui m'a fait prendre.

kevin saint gris A la fin de l'année 2010, j'ai décidé de prendre un voyage impromptu à Monument Valley, Utah. Je n'avais pas prévu du tout et que je roulais à travers l'Arizona, de la neige et de la glace sur la route m'a forcé à s'arrêter à Williams, en Arizona. Il était près de Noël et tous les hôtels étaient complets, donc j'ai fini par dormir dans ma voiture comme la neige est tombée autour de moi à l'extérieur. Lorsque je me suis réveillé, il y avait belle neige vierge blanche partout. Je n'avais jamais photographié dans la neige avant et j'ai fini par aller à Williams pour un jour de prendre des photos. Je n'ai pas finir par le faire dans l'Utah, mais j'étais heureux d'avoir pu obtenir cette image.

A la fin de l'année 2010, j'ai décidé de prendre un voyage impromptu à Monument Valley, Utah. Je n'avais pas prévu du tout et que je roulais à travers l'Arizona, de la neige et de la glace sur la route m'a forcé à s'arrêter à Williams, en Arizona. Il était près de Noël et tous les hôtels étaient complets, donc j'ai fini par dormir dans ma voiture comme la neige est tombée autour de moi à l'extérieur. Lorsque je me suis réveillé, il y avait belle neige vierge blanche partout. Je n'avais jamais photographié dans la neige avant et j'ai fini par aller à Williams pour un jour de prendre des photos. Je n'ai pas finir par le faire dans l'Utah, mais j'étais heureux d'avoir pu obtenir cette image.

C'est l'une des rares images en couleurs dans mon portefeuille et mon image couleur préférée que j'ai jamais prises. Comme la plupart de mon travail se concentre sur la géométrie et les tonalités, j'ai l'habitude de trouver des œuvres monochromes mieux alors que la plupart de mes images sont purement abstraites en couleur. C'est une image de la route pendant que je conduis à travers un tunnel.

C'est l'une des rares images en couleurs dans mon portefeuille et mon image couleur préférée que j'ai jamais prises. Comme la plupart de mon travail se concentre sur la géométrie et les tonalités, j'ai l'habitude de trouver des œuvres monochromes mieux alors que la plupart de mes images sont purement abstraites en couleur. C'est une image de la route pendant que je conduis à travers un tunnel.

Cette image est mon image paysage préféré dans mon portefeuille. Ce n'est pas parce que je considère que c'est le plus beau, mais parce qu'il a fallu plus d'un an pour obtenir une image que j'ai aimé de cet endroit. Quand j'ai découvert cet arbre, je savais que je voulais le photographier, mais quelque chose semblait toujours aller mal - brises serait secouer l'arbre, nuages ne bougent pas dans le bon sens, pas dans le sable, etc Je dois avoir pris 50-60 images de cet arbre sur des dizaines de visites. C'était frustrant, mais finalement se faire cette image il valait bien le coup.

Cette image est mon image paysage préféré dans mon portefeuille. Ce n'est pas parce que je considère que c'est le plus beau, mais parce qu'il a fallu plus d'un an pour obtenir une image que j'ai aimé de cet endroit. Quand j'ai découvert cet arbre, je savais que je voulais le photographier, mais quelque chose semblait toujours aller mal - brises serait secouer l'arbre, nuages ne bougent pas dans le bon sens, pas dans le sable, etc Je dois avoir pris 50 à soixante images de cet arbre sur des dizaines de visites. C'était frustrant, mais finalement se faire cette image il valait bien le coup.

Plus tôt cette année, j'ai visité un bon ami à Washington et nous avons pris un court week-end en bas de la côte de l'Oregon. J'avais vu des images de ce naufrage auparavant et je savais que je voulais le photographier, mais ne savait pas si ça allait être sur notre chemin. Nous avons complètement mal calculé les heures de marée, mais il a fini par travailler en ma faveur ici.

Plus tôt cette année, j'ai visité un bon ami à Washington et nous avons pris un court week-end en bas de la côte de l'Oregon. J'avais vu des images de ce naufrage auparavant et je savais que je voulais le photographier, mais ne savait pas si ça allait être sur notre chemin. Nous avons complètement mal calculé les heures de marée, mais il a fini par travailler en ma faveur ici.

kevin saint grise, mon ami Jeff et moi avons visité Vallée de la Mort à photographier. Je l'ai trouvé vraiment difficile d'obtenir quoi que ce soit que j'ai vraiment aimé de ce voyage et je me suis retrouvé assis sur la plupart de mes images pour plus d'un an, tandis que Jeff a envoyé des courriels occasionnels me demandant si je n'avais encore rien traitées. J'ai fini avec très peu d'images utilisables mais j'ai vraiment aimé la simplicité de cette image prise dans Badwater. A la veille de cette a été prise, nous étions dans le même endroit photographié au coucher du soleil comme un orage a éclaté autour de nous. Nous étions complètement dans la crainte que la foudre s'est écrasé et nous avons été courir autour d'essayer de prendre des photos autant que nous le pouvions. Il a commencé à devenir complètement noir 40-50 miles par vents d'heure soufflait en rafales autour de nous et mes deux caméras sont tombées sur tout attaché sur leurs trépieds. J'ai encore un peu de sel en croûte sur une de mes caméras à partir de ce jour-là.

En 2011, mon ami Jeff et moi avons visité Vallée de la Mort à photographier. Je l'ai trouvé vraiment difficile d'obtenir quoi que ce soit que j'ai vraiment aimé de ce voyage et je me suis retrouvé assis sur la plupart de mes images pour plus d'un an, tandis que Jeff a envoyé des courriels occasionnels me demandant si je n'avais encore rien traitées. J'ai fini avec très peu d'images utilisables mais j'ai vraiment aimé la simplicité de cette image prise dans Badwater. A la veille de cette a été prise, nous étions dans le même endroit photographié au coucher du soleil comme un orage a éclaté autour de nous. Nous étions complètement dans la crainte que la foudre s'est écrasé et nous avons été courir autour d'essayer de prendre des photos autant que nous le pouvions. Il a commencé à devenir complètement noir 40-50 miles par vents d'heure soufflait en rafales autour de nous et mes deux caméras sont tombées sur tout attaché sur leurs trépieds. J'ai encore un peu de sel en croûte sur une de mes caméras à partir de ce jour-là.

kevin saint greyi allé au collège à l'Université de Californie, San Diego, bien avant que je l'avais ramassé une caméra. Je retourne beaucoup de choses à photographier les lieux que j'ai visités au cours de mes années de collège et Scripps Pier (qui est en fait la propriété UCSD) est l'un d'entre eux. Chaque fois que je photographie cette jetée sous cet angle, une personne se trouve toujours en face de mon appareil photo et regarde vers le bas et je finir par avoir à attendre pour eux de se déplacer. Il me fait me sentir invisible qui serait un trait agréable d'avoir si jamais je décide de faire de la photographie de rue un jour.

Je suis allé au collège à l'Université de Californie, San Diego, bien avant que je l'avais ramassé une caméra. Je retourne beaucoup de choses à photographier les lieux que j'ai visités au cours de mes années de collège et Scripps Pier (qui est en fait la propriété UCSD) est l'un d'entre eux. Chaque fois que je photographie cette jetée sous cet angle, une personne se trouve toujours en face de mon appareil photo et regarde vers le bas et je finir par avoir à attendre pour eux de se déplacer. Il me fait me sentir invisible qui serait un trait agréable d'avoir si jamais je décide de faire de la photographie de rue un jour.

traduit par google
entretien tiré de son site, voir les images ici
http://nlwirth.com/blog/kevin-saint-grey-interview






















05/04/2013
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